Desde que Breaking Bad estreou, Walter White passou a ser visto como o ápice da personagem dramática na TV. O arco do professor que vira chefão do tráfico redefiniu o potencial narrativo do meio.
No entanto, outros protagonistas alcançaram níveis igualmente – ou até mais – envolventes, graças a roteiros ousados, direções afiadas e atuações marcantes. A seguir, revisamos cinco nomes que, na visão da crítica, ultrapassam Walt em profundidade.
A força de protagonistas multicamadas
A chamada “Era de Ouro” da televisão abriu espaço para figuras contraditórias, permitindo que o público acompanhasse jornadas extensas e cheias de nuances. Esses personagens revelam como a combinação de texto, direção e interpretação pode prender a atenção mesmo sem explosões ou laboratórios clandestinos.
Don Draper – Mad Men
Jon Hamm manteve o público hipnotizado por sete temporadas como o publicitário Don Draper, sem recorrer a cenas de violência explícita. A direção meticulosa de Matthew Weiner explorava silêncios e olhares, enquanto o roteiro mergulhava no vazio existencial do personagem. O resultado foi uma performance cheia de camadas, capaz de transmitir crise interna apenas com um cigarro aceso e um olhar perdido.
Mad Men sustentou tensão dramática em ambientes limitados, como salas de reunião repletas de fumaça. A série se apoiava em subtexto: um simples “seja você mesmo” durante uma sessão de fotos bastava para desestabilizar Don e expor traumas de infância. Hamm explorava essas microemoções, transformando gestos mínimos em grandes momentos televisivos.
Enquanto Walt precisava de 62 episódios para sair de Mr. Chips e chegar a Scarface, Draper era mostrado como um enigma desde o piloto. Cada temporada desconstruía facetas de sua identidade roubada, criando um estudo de personagem comparável aos melhores romances literários.
Rust Cohle – True Detective (1ª temporada)
Na primeira temporada de True Detective, Matthew McConaughey surpreendeu o público ao trocar comédias românticas por reflexões sombrias sobre niilismo. A direção de Cary Joji Fukunaga manteve clima de mistério constante, filmando conversas automobilísticas como se fossem grandes set-pieces.
Rust era apresentado pelos olhos do parceiro Marty, estratégia que adicionava distância e curiosidade. Cada fragmento de seu passado – do luto à dependência química – vinha à tona em diálogos filosóficos que soavam quase hipnóticos na voz pausada de McConaughey.
O roteiro de Nic Pizzolatto equilibrava investigação policial e estudo psicológico. Mesmo sentado no interrogatório, Cohle se tornava tão magnético quanto qualquer perseguição. Essa força dramática, aliada à fotografia que destacava paisagens decadentes da Louisiana, consolidou o personagem como um ícone moderno.
Buffy Summers – Buffy the Vampire Slayer
Sarah Michelle Gellar reinterpretou a clássica vítima loira dos filmes de terror ao transformá-la na heroína que salva a noite. A criadora Joss Whedon subverteu arquétipos ao colocar Buffy no centro da ação, mas foi Gellar quem adicionou humanidade ao equilibrar sarcasmo adolescente e fardo de caçadora.
A partir da segunda temporada, o roteiro priorizou relações entre personagens, explorando temas de amadurecimento, luto e identidade. Cada batalha física refletia conflitos emocionais, ampliando o alcance dramático da série sem perder leveza pop.
Imagem: Internet
Com direção que mesclava humor e horror, Buffy entregava cenas de ação coreografadas e momentos intimistas que destacavam a vulnerabilidade da protagonista. Essa combinação fez dela referência para futuras heroínas da TV, provando que profundidade não depende apenas de tons sombrios.
Tony Soprano – The Sopranos
Antes de Walt, James Gandolfini já conduzia o público por dilemas morais intensos em The Sopranos. Sob o comando de David Chase, a série mostrou que era possível humanizar um mafioso sem suavizar seus crimes. Gandolfini alternava ternura familiar e violência brutal com naturalidade desconcertante.
A narrativa não transformava Tony; mantinha-o em conflito, criando tensão permanente entre afeto e brutalidade. Essa coerência fez com que o personagem parecesse real, reforçada pela direção que valorizava diálogos longos em ambientes quase teatrais.
A complexidade emocional de Tony – capaz de acariciar um cavalo e, na cena seguinte, espancar um desafeto – expôs contradições humanas universais. Esse retrato, sustentado pela escrita afiada e interpretação visceral, influenciou tudo que viria depois em termos de anti-heróis televisivos.
Jimmy McGill / Saul Goodman – Better Call Saul
Bob Odenkirk, conhecido pelo humor, revelou talento dramático ao dar vida a Jimmy McGill. Criada por Vince Gilligan e Peter Gould, Better Call Saul usou ritmo paciente para traçar a lenta corrosão moral do advogado, ampliando a mitologia iniciada em Breaking Bad.
Odenkirks expressões contidas transmitiam esperança frustrada e culpa acumulada. Detalhes como o anel herdado de um antigo golpe simbolizavam a tentação constante entre legalidade e trapaça. A fotografia, mais fria que a da série-mãe, reforçava o tom melancólico.
Ao mostrar Jimmy antes da persona Saul Goodman, o roteiro expôs injustiças que minaram sua ética, tornando a queda ainda mais dolorosa. A performance nunca recorreu ao exagero: cada desvio ético aparecia como escolha quase inevitável, o que fez muita gente considerar este arco ainda mais trágico que o de Walter White.
Esses cinco protagonistas provam que a televisão contemporânea possui riqueza além do laboratório de Walter White. Seja em escritórios enfumaçados, pântanos da Louisiana ou tribunais do Novo México, a combinação de atuações inspiradas, roteiros complexos e direções cuidadosas continua elevando o patamar das narrativas seriadas.
